• nghệ thuật đương đại là gì?
• Đặc điểm của nghệ thuật đương đại
• Phong cách nghệ thuật đương đại
• Nghệ thuật hiện đại

Chúng tôi giải thích nghệ thuật đương đại là gì, đặc điểm của nó và phong cách của nó. Ngoài ra, mối quan hệ của anh ấy với nghệ thuật hiện đại.

Nghệ thuật đương đại bao gồm những biểu hiện nghệ thuật gần đây nhất.

nghệ thuật đương đại là gì?

Nghệ thuật đương đại bao gồm các hình thức biệt tài của thời đại chúng ta, được sản xuất và giải thích như một sự phản ánh của xã hội hiện tại, tức là, có nguồn gốc từ thế kỷ XX. Tuy nhiên, điều quan trọng cần hiểu là đó là một khái niệm khó xác định và giới hạn của nó rất khác nhau tùy thuộc vào người được tư vấn, đến mức đối với nhiều người không thực sự có sự phân biệt giữa nghệ thuật hiện đại và nghệ thuật đương đại.

Khó khăn này trong việc xác định nghệ thuật đương đại liên quan đến từ "đương đại", dùng để chỉ một hiện tại rất khó sửa chữa trong mốc thời gian sau đó Môn lịch sử, và đó cũng là do thực tế là trong lĩnh vực nghệ thuật, một thời kỳ của riêng nó được sử dụng, mà không phải lúc nào cũng trùng với thời kỳ được sử dụng bởi các nhà sử học.

Do đó, đối với một số người, cái hiện đại là điển hình của thế kỷ XIX và nửa đầu thế kỷ XX, bỏ lại cái đương đại vào cuối thế kỷ XX và đầu thế kỷ XXI. Nhưng không có sự thống nhất trong vấn đề này, bởi vì về cơ bản chúng mang tính thẩm mỹ và không phải là sự phân định theo trình tự thời gian.

Do đó, nghệ thuật đương đại sẽ phải được định nghĩa trên cơ sở những đặc điểm thẩm mỹ nhất định và những mối quan tâm triết học nhất định, tuy nhiên, nhiều tác phẩm trong số đó đã có mặt trong nghệ thuật hiện đại, hoặc ít nhất là vào khoảng giữa và cuối thế kỷ XIX. Đó là lý do tại sao một số thậm chí thích sử dụng thuật ngữ "hậu hiện đại" để chỉ những gì mang tính đương đại.

Trong mọi trường hợp, nghệ thuật đương đại là một phạm trù rộng và phức tạp bao gồm những biểu hiện nghệ thuật và phong cách nghệ thuật gần đây nhất của nhân loại, và là điển hình của xã hội công nghiệp và hậu công nghiệp (hoặc kỹ thuật số).

Cả xã hội mà nó phản ánh và nghệ thuật này đều đã có những thay đổi lớn so với các giai đoạn lịch sử trước đó, dẫn đến việc khám phá liên tục và bền vững những câu hỏi cơ bản nhất định, chẳng hạn như nghệ thuật là gì?

Đặc điểm của nghệ thuật đương đại

Nghệ thuật đương đại vượt qua ranh giới giữa các bộ môn nghệ thuật.

Nói một cách tổng thể, chúng ta có thể gán những đặc điểm sau cho nghệ thuật đương đại:

• Theo một số cách phân loại, nó bao gồm các xu hướng nghệ thuật từ đầu thế kỷ 20 đến ngày nay. Mặt khác, những người khác chỉ được coi là đương đại sau năm 1960.
• Thử nghiệm và những gì mới là một giá trị tự thân, đặc biệt là đối với kỹ thuật và các vật liệu mới được quan tâm, bao gồm vào cuối thế kỷ 20 sự xuất hiện của nghệ thuật kỹ thuật số và việc sử dụng công nghệ.
• Nhiều yếu tố trung tâm của truyền thống nghệ thuật, thường theo một cách mỉa mai.
• Nghĩa bóng bị bỏ và sự trừu tượng, các hình học, dòng và hỗn loạn như các phương thức biểu đạt có thể.
• Sự phản ánh về bản chất của nghệ thuật và nghệ sĩ là không đổi, và điều đó cũng bao gồm các không gian hợp pháp như bảo tàng, thể chế, Vân vân.
• Biên giới giữa các thể loại bị vượt qua, hướng đến một nghệ thuật lai tạp, không xác định, không xác định.

Phong cách nghệ thuật đương đại

Pop Art dựa vào việc thể hiện và sử dụng các đối tượng tiêu dùng hàng ngày.

Một phần là do sự phân định khái niệm có vấn đề, không dễ để biết trường phái hoặc phong cách nào là hay không phải là nghệ thuật đương đại hay nghệ thuật hiện đại, và danh sách có thể thay đổi đáng kể giữa các cuốn sách. Tuy nhiên, một số phong cách đương đại được biết đến nhiều nhất là:

• Fauvism hoặc Fovism. Đó là một phong trào chụp ảnh bắt nguồn từ Pháp từ năm 1904 đến năm 1908, tên của nó phản ứng với tiếng nói của người Pháp vòi nước, "Mạnh mẽ". Điều này ám chỉ đến bảng màu của màu sắc quá khiêu khích các họa sĩ của nó, đến nỗi nó đã phá vỡ các tục lệ và dám dấn thân vào những tông màu không mấy trung thực với thực tế. Henri Matisse (1869-1954), André Derain (1880-1954) và Maurice de Vlaminck (1876-1958) được coi là những người sáng lập và tác giả quan trọng nhất của nó.
• Chủ nghĩa lập thể. Chủ nghĩa lập thể phát sinh trong Châu Âu từ năm 1907 đến năm 1924, và được coi là một xu hướng sáng lập, có tầm quan trọng sống còn đối với sự xuất hiện của những người tiên phong trong thế kỷ XX. Nó bao gồm một đoạn tuyệt thực sự với bức tranh truyền thống, ai dám phá vỡ Góc nhìn cá nhân thực tế, khai mạc thay vì một quan điểm cá nhân, chủ quan của sự vật. Cha đẻ của Chủ nghĩa Lập thể là Pablo Picasso (1881-1973) và Georges Braque (1882-1963), nhưng họ đã được tham gia bởi các họa sĩ châu Âu vĩ đại khác thời bấy giờ, cũng như nhà thơ và nhà phê bình nghệ thuật người Pháp Guillaume Apollinaire (1880-1918) .
• Dadaism. Phát sinh vào năm 1916 tại quán rượu Voltaire ở Zurich, đây là một phong trào nghệ thuật có tính chất nổi loạn và nổi loạn, phản đối nghệ thuật tư sản và chủ nghĩa thực chứng thịnh hành vào thời điểm đó. Tác phẩm của nhà thơ Romania Tristan Tzara (1896-1963) và nhà thơ Đức Hugo Ball (1886-1927), nó lấy tên từ tiếng trẻ thơ bập bẹ (Dadaist) bởi vì anh ấy đánh giá cao trình tự của âm thanh dường như vô nghĩa, như một cách để phá vỡ nghĩa vụ "nói điều gì đó." Thái độ đó sau đó đã được những người theo phong trào kế thừa trong các thể loại khác, chẳng hạn như trong điêu khắc và vẽ tranh.
• Chủ nghĩa siêu thực. Một trong những phong trào văn hóa lớn của châu Âu thế kỷ 20, với giới luật cơ bản là rời xa lý trí và khách quan để tiếp cận thế giới của vô thức Freud: giấc mơ, ảo giác và tưởng tượng. Phong trào siêu thực chính thức bắt đầu khi nhà thơ Pháp André Bretón (1896-1966) xuất bản năm 1924 Tuyên ngôn siêu thực ở Paris, một thành phố là trục của phong trào trong quá trình mở rộng ra khắp thế giới, mạo hiểm vào hội họa, điêu khắc, văn chương và thậm chí là rạp chiếu phim. Phong trào có một số lượng lớn tín đồ thuộc các quốc tịch khác nhau, trong số đó có Breton, Salvador Dalí (1904-1989), René Magritte (1898-1967), Marcel Duchamp (1887-1968), Jean Arp (1887-1966), Luis Buñuel (1900-1983), trong số nhiều người khác.
• Chủ nghĩa biểu hiện. Một trong những trào lưu nghệ thuật lớn của thế kỷ 20, ra đời vào đầu thế kỷ ở Đức, cùng thời với Chủ nghĩa Fauvism của Pháp. Lĩnh vực ban đầu của anh là hội họa, nhưng sau đó anh đã lan sang các môn nghệ thuật khác như văn học, điêu khắc, Âm nhạc, các nhảy, các rạp hát và rạp chiếu phim, luôn luôn dưới tiền đề chống lại trường phái ấn tượng và quan niệm khách quan, duy lý của ông về nghệ thuật. Chủ nghĩa biểu hiện coi trọng nội tâm của nghệ sĩ hơn tất cả, và bóp méo thực tế trong tác phẩm để phóng tác nó với sự thể hiện tính chủ quan đó, thường là qua những viễn cảnh đẹp như mơ, hoang vắng và có phần cay đắng, điển hình của thời kỳ nước Đức trước chiến tranh. Tuy nhiên, nó không phải là một phong trào thuần nhất, vì vậy các đặc điểm phong cách của nó đã thay đổi rất nhiều theo thời gian, mặc dù tiền đề triết học của nó vẫn được bảo tồn. Một số người tiêu biểu của nó là các họa sĩ Evard Munch (1863-1944), Vasili Kandinski (1866-1944), Paul Klee (1879-1940), Egon Schiele (1890-1918), Amedeo Modigliani (1884-1920) và Marc Chagall (1887-1985), cùng với các nhà văn như Franz Kafka (1883-1924) và Bertoldt Brecht (1898-1956), hoặc các nhạc sĩ như Arnold Schönberg (1874-1951), chỉ là một vài cái tên.
• Chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng. Một trào lưu tranh ảnh ra đời ở Hoa Kỳ vào những năm 1940, là kết quả của sự di cư của nhiều nghệ sĩ theo trường phái siêu thực châu Âu đến lục địa mới. Từ bỏ chủ nghĩa tượng hình để ủng hộ sự trừu tượng, phong trào này sử dụng màu cơ bản và cách tiếp cận tối giản, cũng như các đường nét bạo lực. Sự khởi đầu của nó rất được đánh dấu bởi di sản châu Âu, dẫn đầu bởi người tiên phong là Arshile Gorky người Armenia (1904-1948), sống lưu vong ở New York, nhưng nó nhanh chóng trở thành phong trào đầu tiên của người Mỹ trong phạm vi bức tranh trừu tượng, người có số mũ vĩ đại nhất là Jackson Pollock (1912-1956) hay Mark Rothko (1903-1970) nổi tiếng.
• Nghệ thuật đại chúng. "Nghệ thuật đại chúng" được sinh ra như một phản ứng đối với chủ nghĩa biểu hiện trừu tượng và một sự tiếp nối không mỉa mai và ít phá hoại hơn của phong trào Dada. Sự khởi đầu của nó diễn ra vào năm 1950 tại Vương quốc Anh và vào đầu năm 1960 tại Hoa Kỳ, và định đề thiết yếu của nó là sự thống nhất của nghệ thuật và cuộc sống, thông qua việc làm mát những cảm xúc. Để làm được điều này, ông đã nhờ đến sự bề ngoài rõ ràng của văn hóa đại chúng và các thiết kế lặp đi lặp lại, với đường nét rõ ràng, cũng như việc thể hiện và sử dụng các đồ vật tiêu dùng hàng ngày, chẳng hạn như lon súp Campbell nổi tiếng của Andy Warhol (1928 - 1987), có lẽ là số mũ được biết đến nhiều nhất của nó. Đó là một động thái gần với Quảng cáo và ở một mức độ nào đó gây hưng phấn, ngày nay được coi là điển hình cho sự trỗi dậy của chủ nghĩa tư bản ở phương Tây trong Chiến tranh lạnh. Những tên tuổi lớn khác là Robert Rauschenberg (1925-2008) và Roy Lichtenstein (1923-1997).
• Thuật động học. Như tên gọi của nó, nghệ thuật động học cố gắng kết hợp sự chuyển động đối với tác phẩm nghệ thuật, như trong tranh và đặc biệt là tác phẩm điêu khắc. Chuyển động này có thể là thực (cơ, điện, từ, gió, v.v.) hoặc nghĩa bóng, và nó có thể có hoặc không có sự tham gia của người xem, thông qua hoạt động của một công tắc hoặc thâm nhập vào chính tác phẩm. Trên thực tế, hầu hết các tác phẩm của ông là ba chiều, và được sản xuất từ ​​những năm 1960 đến 1970, với Paris và Hoa Kỳ là tâm điểm. Có những đại diện quan trọng của Mỹ Latinh trong khía cạnh nghệ thuật này, chẳng hạn như Julio Leparc người Argentina (1928-) hay người Venezuela Jesús Soto (1923-2005) và Carlos Cruz Diez (1923-2019).
• Nghệ thuật khái niệm. Nghệ thuật khái niệm nên được hiểu là một đề xuất nghệ thuật trong đó ý kiến hoặc là Ý tưởng nó quan trọng hơn nhiều so với bản thân tác phẩm, ít nhất với tư cách là một đối tượng vật chất hoặc vật chất. Do đó, nghệ thuật được rút gọn thành sự thể hiện của sự thờ ơ về mặt tinh thần đối với kỹ thuật, mà không cần đến sự hỗ trợ bền bỉ về thể chất, vượt ra ngoài chữ và Nhiếp ảnh. Nó nổi lên vào những năm 1960 ở Hoa Kỳ và Vương quốc Anh, nhưng có các đại diện quan trọng của châu Âu, chẳng hạn như nhóm FLUXUS của Đức, hoặc Yoko Ono của Nhật Bản (1933-). Phong trào này bao gồm mọi thứ, từ các buổi biểu diễn và các hình thức nghệ thuật phù du, đến các tác phẩm sắp đặt, tác phẩm điêu khắc và các bản ghi âm nghe nhìn.

Nghệ thuật hiện đại

Như chúng ta đã nói trước đây, sự phân biệt giữa nghệ thuật hiện đại và nghệ thuật đương đại luôn có vấn đề, đến mức đối với một số tác giả, nó thậm chí không tồn tại.

Hai thuật ngữ này thường được sử dụng thay thế cho nhau, hoặc đôi khi thiết lập các phân chia ít nhiều tùy ý từ giữa thế kỷ 20, khiến cho từ hiện đại kéo dài từ cuối thế kỷ 15 đến cuối thế kỷ 18, hoặc cũng từ cuối thế kỷ 18. cho đến giữa TK XX. Không có tiêu chí duy nhất về vấn đề này.

Trong mọi trường hợp, nghệ thuật hiện đại được coi là một bước đột phá quan trọng đối với truyền thống kế thừa từ thời Trung cổ phương Tây, rời xa sự bắt chước của tự nhiên và chủ nghĩa tượng hình để đi theo những con đường trừu tượng và thách thức hơn, đổi mới quan điểm và quan điểm, cũng như kết hợp các kỹ thuật mới và vật liệu mới mang lại Cuộc cách mạng công nghiệp.