- Nguồn gốc và lịch sử của nhà hát là gì?
- Nguồn gốc Hy Lạp của nhà hát
- Nguồn gốc của nhà hát phi phương Tây
- Kịch phụng vụ và nhà hát thời trung cổ
- Sự nở rộ của nhà hát Nhật Bản
- Nhà hát thời Phục hưng và Comedia dell'arte
- Lối vào hiện đại
- Thế kỷ 20 và đương đại
Chúng tôi giải thích nguồn gốc và lịch sử của nhà hát ở các nơi khác nhau trên thế giới, từ thời cổ đại cho đến ngày nay.
Nguồn gốc và lịch sử của nhà hát là gì?
Các rạp hát, thể loại nghệ thuật trong đó văn chương (kịch bản) và biểu diễn nghệ thuật (sân khấu biểu diễn), là một trong những hình thức biểu đạt nghệ thuật lâu đời nhất trong lịch sử. nhân loại.
Mặc dù nguồn gốc của nó thường quay trở lại cổ xưa cổ điển của phương Tây, sự thật là hầu hết tất cả văn hóa cổ đại họ đã có một số hình thức sân khấu hoặc cảnh tượng tương tự, mà họ giáo dục những người trẻ tuổi của họ, cầu nguyện các vị thần hoặc nhớ của họ thần thoại nền tảng.
Tuy nhiên, những người đầu tiên hiểu sân khấu như một loại hình nghệ thuật, tức là "nghệ thuật kịch", là những người Hy Lạp cổ đại từ thế kỷ thứ 6 đến thế kỷ thứ 4 trước Công nguyên. c.
Người Hy Lạp cổ đại kỷ niệm một số nghi lễ tôn giáo để tôn vinh Dionysus, thần rượu vang và khả năng sinh sản, được gọi là bacchanalia. Trong những nghi thức các nhảy và trạng thái xuất thần là bình thường, nhưng cũng là một câu chuyện và dàn dựng nhất định của các huyền thoại sáng lập, và sau đó là những gì đã tạo ra nhà hát.
Nguồn gốc Hy Lạp của nhà hát
Nó có nguồn gốc từ thế kỷ thứ 6 trước Công nguyên. C. nhờ một linh mục của Dionysus, được gọi là Thespis, người đã đưa ra một sửa đổi quan trọng cho các nghi lễ: a hội thoại mà anh ấy đã tổ chức với dàn hợp xướng trong mỗi lễ hội.
Vì vậy, Thespis trở thành diễn viên sân khấu đầu tiên. Trên thực tế, theo biên niên sử thế kỷ III a. C. Chính Thespis đã giành chiến thắng trong cuộc thi sân khấu đầu tiên ở Hy Lạp, được tổ chức tại Athens vào năm 534 trước Công nguyên. c.
Kể từ đó, các cuộc thi sân khấu trở nên rất phổ biến tại các lễ hội tôn vinh Dionysus, kéo dài suốt bốn ngày và sử dụng các cấu trúc bằng gỗ ngăn cách cho dàn nhạc, khán giả và sân khấu xung quanh tượng Dionysus.
Trong suốt thế kỷ thứ 5 và thứ 4 trước Công nguyên. C. nhà hát Hy Lạp phát triển mạnh mẽ và trở nên độc lập với thờ cúng Tôn giáo. Tuy nhiên, nó tiếp tục là một cơ chế của xã hội Hy Lạp để giáo dục những người trẻ tuổi của mình trong tôn giáo, các thần thoại và các giá trị công dân cổ điển.
Vào thời điểm đó, ba nhà viết kịch vĩ đại của Hy Lạp nổi lên: Aeschylus (525-456 TCN), Sophocles (496-406 TCN) và Euripides (484-406 TCN), tác giả của một loạt các vở kịch bi kịch đề cập đến các thần thoại Hy Lạp vĩ đại. Cùng với họ, các nghệ sĩ hài Hy Lạp vĩ đại như Aristophanes (444-385 TCN) đã sinh sôi nảy nở.
Nhà hát quan trọng trong nền văn hóa Hy Lạp đến nỗi nhà triết học Aristotle (384-322 trước Công nguyên) đã lấy cảm hứng từ họ để viết luận thuyết đầu tiên về nghệ thuật kịch trong lịch sử nhân loại: Thơ từ năm 335 trước Công nguyên c.
Tương tự như vậy, nó có tầm quan trọng đối với khu vực Địa Trung Hải vào thời điểm đó, đến nỗi nền văn hóa La Mã đã lấy nó làm hình mẫu và nguồn cảm hứng để phát triển nhà hát của riêng mình giữa thế kỷ thứ 2 và thứ 3 trước Công nguyên. C. Đây là cách các tác giả nổi tiếng như Plautus (254-184 TCN) và Terence (185-159 TCN) nổi lên, mà vở kịch họ là một phần của một sự kiện lớn hơn nhiều trong văn hóa La Mã: Đại hội thể thao La Mã để tôn vinh các vị thần.
Người La Mã cũng kết hợp di sản kịch nghệ Hy Lạp vào nền văn hóa của họ, bảo tồn nó bằng tiếng Latinh cho nhiều độc giả sau này.
Nguồn gốc của nhà hát phi phương Tây
Ở phương Đông của thế giới cũng có những truyền thống sân khấu phong phú, đặc biệt là trong nền văn hóa cổ đại của Ấn Độ. Nhà hát của Ấn Độ phát triển nhờ các điệu múa tôn giáo và nghi lễ.
Nhà hát này được nghiên cứu chính thức vào khoảng thế kỷ thứ 4 và thứ 2 trước Công nguyên.C., đánh giá bằng những gì Natia-shastra, một luận thuyết cổ của người Hindu về khiêu vũ, bài hát và kịch, do nhà âm nhạc học Bharata Muni (niên đại không chắc chắn). Công trình này nghiên cứu, đặc biệt, nhà hát cổ điển Ấn Độ, đỉnh cao của văn học tiếng Phạn.
Trong loại kịch những nhân vật rất khuôn mẫu xuất hiện như một anh hùng (nayaka), nữ chính (nayika) hoặc chú hề (vidusaka), giữa những câu chuyện thần thoại và tôn giáo về nguồn gốc của các vị thần. Buổi biểu diễn bao gồm nhiều hơn bất kỳ điệu nhảy và lời thoại của các diễn viên, được trang điểm và trang điểm, nhưng không có sân khấu hoặc trang trí.
Nhà hát Ấn Độ đã được thực hành hầu như không bị gián đoạn hoặc thay đổi trong một thời gian dài, đạt đến đỉnh cao giữa thế kỷ thứ 3 và thứ 5 sau Công nguyên. Hai trong số những nhà viết kịch vĩ đại của truyền thống này là Sudraka (thế kỷ 3 sau Công nguyên) và Kalidasa (thế kỷ 4 - 5 sau Công nguyên), tác giả sau này của những vở kịch tình yêu vĩ đại.
Một truyền thống phi phương Tây quan trọng khác, nhà hát của Trung Quốc, bắt nguồn từ khoảng thế kỷ thứ 6 trước Công nguyên. C. Nó được bao gồm hầu hết các điệu múa, nhào lộn, kịch câm và các hành động nghi lễ mà không có một thể loại xác định.
Các diễn viên, tất cả đều là nam, có thể đóng nhiều loại vai rập khuôn khác nhau, cho dù là nam (sheng), giống cái (vì thế), truyện tranh (chou) hoặc chiến binh (ching). Trong nhiều trường hợp, mặt nạ và đồ trang điểm đã được sử dụng.
Truyền thống Trung Quốc truyền cảm hứng cho các phiên bản tương tự ở Nhật Bản và các quốc gia Đông Nam Á khác, vốn phát triển mạnh mẽ trong những thế kỷ sau đó, và không được biết đến ở phương Tây cho đến gần thế kỷ XIX.
Kịch phụng vụ và nhà hát thời trung cổ
Sau sự sụp đổ của Đế chế La Mã, nhà hát ở phương Tây đã mất đi sự liên quan đến tôn giáo và phổ biến cũ của nó: điều này là do Cơ đốc giáo từ chối di sản người ngoại đạo của Châu Âu và anh ấy đã làm mọi thứ có thể để phân biệt bản thân và tạo khoảng cách với truyền thống đó. Tuy nhiên, đến thế kỷ thứ 10, phụng vụ Thiên chúa giáo và lễ Phục sinh là những sự kiện trọng tâm trong văn hóa Kitô giáo, và được thực hiện với phong cảnh và khung cảnh lộng lẫy.
Do đó, trong Tuổi trung niên một nhà hát phụng vụ đã phát sinh, nơi tái hiện những cảnh quan trọng nhất của thần thoại Cơ đốc giáo, chẳng hạn như chuyến thăm của Mary Magdalene đến lăng mộ của Chúa Jesus Christ. Với điều này đã sinh ra một truyền thống phong phú của nghệ thuật soạn kịch Kitô giáo sau này.
Vào khoảng thế kỷ thứ mười một và mười hai, nhiều tu viện ở Pháp bắt đầu bày những câu chuyện kinh thánh trên một bục bên ngoài đền thờ, cũng từ bỏ việc sùng bái tiếng Latinh để sử dụng ngôn ngữ bản địa, gần gũi với người dân hơn. Sự dàn dựng của Sáng thế ký hay Ngày tận thế, hoặc cuộc đời đầy đau khổ của các vị thánh, chẳng hạn như Thánh Apollonia hay Thánh Dorothea, là điều thường thấy.
Khi các hoạt động sân khấu này trở nên phức tạp hơn, chúng bắt đầu được trưng bày trên các sân khấu nổi hoặc di động, để đưa phụng vụ và câu chuyện giáo hội đến các góc khác nhau của đất nước. Điều này đặc biệt phổ biến ở Tây Ban Nha và họ được biết đến dưới tên Xe hy sinh, tức là các vở tuồng về Bí tích Thánh Thể.
Các sự kiện tương tự đã được thực hiện ở Anh vào thời điểm đó, đặc biệt là trong Corpus Christi, và trở thành hình thức sân khấu phổ biến, phổ biến khắp châu Âu cho đến thế kỷ 16.
Kể từ đó trở đi, những kẻ gièm pha chính của ông nổi lên: những người theo chủ nghĩa thuần túy Tin lành lên án sự hài hước và táo bạo nổi trội trong các đại diện của ông, và những người theo chủ nghĩa nhân văn Renaissance, những người đã nhìn thấy bằng đôi mắt xấu của họ phù phiếm và mối liên hệ của nó với một truyền thống thời trung cổ nhất định mà từ đó họ tìm cách ly khai.
Do đó, nhiều tác phẩm trong số này đã bị cấm ở Paris và ở các nước Châu Âu theo đạo Tin lành, trong khi chúng phát triển mạnh mẽ ở Châu Âu Phản Cải cách, chủ yếu ở Tây Ban Nha. tác giả vĩ đại của baroque Những người Tây Ban Nha như Lope de Vega (1562-1635), Tirso de Molina (1583-1648) và Calderón de la Barca (1600-1681) được coi là một trong những tác giả vĩ đại nhất của hành động bí tích.
Sự nở rộ của nhà hát Nhật Bản
Trong khi đó, ở Nhật Bản thế kỷ 14, một nền văn hóa biểu diễn đã được kết tinh. Là người thừa kế các điệu múa Thần đạo và các nghi lễ Phật giáo, cả của họ và sao chép từ Trung Quốc và các quốc gia châu Á khác, nhà hát Nhật Bản đã thực hiện những bước quan trọng nhất của mình.
Từ đó trở đi, ba khuynh hướng lớn đã thực hiện những bước đầu tiên:
- Bộ phim trữ tình tinh tế của nhà hát noh và kyogen.
- Nhà hát múa rối văn học Bunraku.
- Sau đó, nhà hát kabuki, cảnh tượng kịch tính của giai cấp tư sản.
Nhà hát Noh xuất hiện ở Kyoto vào khoảng năm 1374, dưới sự giám hộ của shogun Yoshimitsu, bắt đầu một truyền thống quan trọng về sự bảo trợ sân khấu của các lãnh chúa phong kiến Nhật Bản.
Hầu hết các tác phẩm theo phong cách này, được thực hiện với sự duyên dáng và trau chuốt vô hạn của các diễn viên nam cùng với một dàn hợp xướng nhỏ, được viết trong những thập kỷ sau bởi Kanami Motokiyo, con trai ông Zeami Motokiyo và sau này là con rể của ông, Zenchiku. Rất ít vở kịch mới đã được viết cho nhà hát Noh kể từ thế kỷ 15.
Có lẽ vì lý do này mà đến thế kỷ 16, bức tranh toàn cảnh sân khấu Nhật Bản đã có một sự suy thoái nhất định. Điều này phải được thêm vào lệnh cấm năm 1629 đối với tất cả các buổi biểu diễn sân khấu có sự tham gia của phụ nữ, sau khi các bài thuyết trình của nữ tu sĩ Thần đạo O-Kuni đã gây chấn động công chúng ở Kyoto.
Đó là lý do tại sao, vào đầu thế kỷ 17, một nhà hát Nhật Bản mới xuất hiện để lấp đầy khoảng trống, phản ánh sự nhạy cảm mới của tư sản thời bấy giờ: Kabuki, một nhà hát quán cà phê thành công, sử dụng bối cảnh xa hoa và trang phục cầu kỳ, có tác phẩm của họ. xuất thân từ truyền thống văn học và sân khấu múa rối.
Nhà hát thời Phục hưng và Comedia dell'arte
Như nhiều nơi khác Mỹ thuật và kiến thức, Thời phục hưng Châu Âu đánh dấu trước và sau trong sân khấu và kịch nghệ. Các tác phẩm trở nên tự nhiên hơn, tước bỏ nghĩa vụ tôn giáo và cứu vãn di sản lý thuyết của Aristotle, cũng như các thần thoại cổ đại và các biểu tượng cổ điển.
Chiến thắng của giai cấp tư sản khi tầng lớp xã hội thống trị mới xác định sự thay đổi trong cảm nhận sân khấu và ngay sau đó, sự ra đời của các thể loại mới và phong cách mới đã được chứng kiến, chẳng hạn như nhà hát baroque Tây Ban Nha và nhà hát Elizabeth của Anh, nơi có truyền thống xuất hiện những tên tuổi lớn như Miguel de Cervantes và William Shakespeare.
Tuy nhiên, hình thức sân khấu mới quan trọng nhất là Commedia dell'Arte của Ý, xuất hiện vào khoảng năm 1545 như một hình thức sân khấu đường phố và bình dân, nhưng do các diễn viên chuyên nghiệp biểu diễn. Nhiều nhóm sân khấu lưu động, di chuyển từ thị trấn này sang thị trấn khác và dựng các sân khấu tạm.
Ở đó họ đại diện cho các phần của hài kịch ngẫu hứng vật lý, sân khấu và các tác phẩm của riêng họ nhân vật họ có thể dễ dàng và nhanh chóng nhận ra, vì họ luôn đeo những chiếc mặt nạ giống nhau. Ví dụ, quần dài ông ta là một ông già hào hoa và xấu tính, người đã chơi những trò đùa và chơi khăm, trong khi Harlecchino là người hầu đùa cợt và táo bạo, và Pulcinelli anh ta là một chuyên gia đánh đập tay gù, lưng gù.
Kể từ đó, các hình thức sân khấu mới bắt đầu trở nên phổ biến ở một châu Âu ngày càng coi trọng nghệ thuật kịch. Các bi kịch đã trở thành một thể loại phổ biến, một loại liên kết trung gian giữa hài kịch và bi kịch. Opera cũng xuất hiện vào thế kỷ 17, và cái gọi là “phong cách Ý” của nhà hát đã lan rộng khắp châu Âu.
Cũng trong bối cảnh đó, sân khấu Pháp đã có một bước phát triển vượt bậc quan trọng, dưới bàn tay của các nhà viết kịch lừng danh như Pierre Corneille (1606-1684) và Jean Racine (1639-1699), những tác giả lớn của các vở bi kịch, và đặc biệt là Jean-Baptiste Poquelin, hay hơn được biết đến với cái tên Molière (1622-1673), diễn viên và tác giả của các vở hài kịch, trò hề, bi kịch và một số tác phẩm nổi tiếng nhất bằng tiếng Pháp.
Lối vào hiện đại
Sự thay đổi lớn tiếp theo trong truyền thống sân khấu phương Tây đến với Chủ nghĩa lãng mạn Tiếng Đức, đặc biệt Sturm und Drang vào nửa sau thế kỷ XVIII.
Như trong phần còn lại của nghệ thuật, Chủ nghĩa lãng mạn sân khấu nhấn mạnh tình cảm và kịch tính chống lại chủ nghĩa duy lý xuất hiện cùng với Hình minh họa Người Pháp. Anh thích những chủ đề đen tối, bí ẩn, đặc biệt là những chủ đề từ văn hóa đại chúng và văn hóa dân gian.
Di sản mà các tác giả như Wolfgang von Goethe (1749-1832) và Friedrich Schiller (1759-1805) để lại, với những tác phẩm kịch vĩ đại như Faust hay William Tell vào đầu thế kỷ 19, là nguồn cảm hứng cho sự ra đời của một thể loại mới: melodrama, kết hợp âm nhạc để nhấn mạnh cảm xúc của nhân vật.
Từ bàn tay của chủ nghĩa dân tộc Châu Âu, phong cách mới này đã phổ biến ở hầu hết các quốc gia và tạo ra các tác phẩm và tác giả nổi tiếng như Georg Büchner, Victor Hugo, José Zorrilla và nhiều người khác.
Tuy nhiên, nền tảng của sân khấu hiện đại, nói một cách chính xác, đã diễn ra tốt đẹp vào thế kỷ 19, với nền tảng của sân khấu hiện thực, chiến thắng của chủ nghĩa duy lý so với chủ nghĩa lãng mạn. Chủ nghĩa hiện thực nhấn mạnh sự cần thiết của một nhà hát theo chủ nghĩa tự nhiên: các bối cảnh tương tự như thực tế, các màn trình diễn đáng tin cậy và loại bỏ các hành động hoặc cử chỉ hoành tráng.
Đúng như dự đoán, chủ nghĩa hiện thực ra đời ở Pháp, cái nôi của thời kỳ Khai sáng.Tuy nhiên, nó đã đạt đến đỉnh cao biểu cảm trong ngòi bút của các tác giả Bắc Âu như August Strindberg người Thụy Điển (1849-1912) và Henrik Ibsen người Na Uy (1828-1906), hoặc thậm chí với nhà văn truyện ngắn nổi tiếng người Nga Anton Chekhov (1860- Năm 1904).
Thế kỷ 20 và đương đại
Sự xuất hiện của thế kỷ 20 đầy biến động mang theo đội tiên phong, một nguồn không ngừng của sự đổi mới hình thức và thẩm mỹ đã khai sinh ra nhiều trường phái sân khấu ở Âu Mỹ.
Nói chung, người tiên phong tìm kiếm cường độ và chiều sâu tâm lý lớn hơn trong các nhân vật của họ, từ bỏ ba đơn vị cổ điển của Aristotle và thường chấp nhận sự tố cáo và quân phiệt chính trị. Ngoài ra, nhờ họ, vai trò của giám đốc nhà hát được nổi bật hơn các diễn viên; một vai trò sánh ngang với đạo diễn phim.
Các phong trào sân khấu của Avant-garde quá nhiều để có thể liệt kê toàn bộ, nhưng điều đáng chú ý là chủ nghĩa biểu hiện, "nhà hát sử thi" của Bertoldt Brecht, nhà hát của sự phi lý gắn liền với triết lý thuyết hiện sinh và các tác phẩm của Antonin Artaud, Eugène Ionesco và Samuel Beckett.
Ngoài ra, sự không phù hợp và tình cảm chống tư sản của Thanh niên giận dữ: Harold Pinter, John Osbourne và Arnold Wesker. Những tên tuổi vĩ đại khác thời bấy giờ là Luigi Pirandello, Alfred Jarry, Arthur Miller, Federico García Lorca, Ramón de Valle Inclán, trong số những người khác.
Kể từ năm 1960, sân khấu đương đại đã cố gắng kết nối lại với cảm xúc của khán giả, rời xa sân khấu sử thi và các thông điệp chính trị. Có rất nhiều khía cạnh sân khấu tìm cách tách khỏi sân khấu và đưa nhà hát ra đường phố, hoặc kết hợp công chúng lên sân khấu, hoặc thậm chí sử dụng đang xảy ra hay sân khấu hóa tình huống ngẫu hứng ngoài đời.